Trong bức tranh giải trí đương đại rộng lớn và thường xuyên ồn ã, nơi thuật toán có xu hướng tưởng thưởng cho sự huyên náo, tốc độ và tác động tức thì, sự xuất hiện của một tác phẩm như Con trai của ngàn người cha (tựa gốc O Filho de Mil Homens) mang lại cảm giác ít giống một buổi ra mắt hơn là một sự ngắt quãng cần thiết – một hơi thở sâu giữa một cuộc đua marathon.
Chúng ta không đứng trước một bộ phim đơn giản; chúng ta đang đứng trước một tạo tác văn hóa tìm cách định nghĩa lại ngữ pháp của tình cảm trong dòng phim điện ảnh Mỹ Latinh kinh phí lớn.
Tiền đề triệu tập chúng ta đơn giản đến mức dễ gây hiểu lầm: một ngư dân cô độc tìm cách lấp đầy khoảng trống tồn tại của mình thông qua một tình phụ tử phi sinh học, trong quá trình đó, ông đan dệt một mạng lưới các mối quan hệ thách thức các định nghĩa thông thường về gia đình. Tuy nhiên, bên dưới bề mặt của câu chuyện ngụ ngôn nhuốm màu dân gian này, là một sự phức tạp về cảm xúc và kỹ thuật đáng được phân tích mổ xẻ với độ chính xác của một bác sĩ phẫu thuật và sự nhạy cảm của một nhà thơ.
Được đạo diễn bởi Daniel Rezende và với sự tham gia của một Rodrigo Santoro đang ở đỉnh cao phong độ, tác phẩm này của Netflix không chỉ chuyển thể một trong những tiểu thuyết được yêu thích nhất của văn học Bồ Đào Nha đương đại, mà còn tự định vị mình như một luận thuyết hình ảnh về sự cô đơn, sự bao dung và khả năng con người tự tái tạo mình thông qua người khác.
Nguồn gốc Văn học: Thách thức của việc Chuyển ngữ Linh hồn
Văn xuôi Thơ mộng của Valter Hugo Mãe
Để hiểu được tầm vóc của thách thức mà đội ngũ sáng tạo phải đối mặt, trước tiên chúng ta phải đắm mình vào nguồn cội: cuốn tiểu thuyết cùng tên của Valter Hugo Mãe. Mãe không phải là một nhà văn thông thường; ông là một nghệ nhân ngôn từ đã thành công, trong suốt sự nghiệp của mình, trong việc tước bỏ sự cứng nhắc học thuật của tiếng Bồ Đào Nha để trả lại cho nó một sự dẻo dai gần như nguyên sơ, như của trẻ thơ. Sách của ông không chỉ để đọc; chúng còn để trải nghiệm.
Tiểu thuyết O Filho de Mil Homens là một văn bản vận hành trong địa hạt của chất thơ. Lối tự sự của Mãe được đặc trưng bởi cú pháp trôi chảy như dòng suy nghĩ, thường bỏ qua các quy tắc chấm câu chuẩn mực để ưu tiên nhịp điệu cảm xúc của câu văn. Chuyển thể điều này sang điện ảnh, một phương tiện mà về bản chất có xu hướng hướng tới sự cụ thể và tính chính xác của hình ảnh, là một nhiệm vụ gần như bất khả thi. Làm thế nào để bạn quay một phép ẩn dụ? Làm thế nào để bạn chuyển hóa mô tả về một cảm giác mà tác giả đã dày công xây dựng bằng cách bẻ cong ngữ pháp thành ánh sáng và bóng tối?
Ngay cả tựa đề, Con trai của ngàn người cha, cũng hàm chứa một luận điểm xã hội học và nhân chủng học sâu sắc. Nó không nói về sự lăng nhăng về mặt sinh học, mà về một quan niệm mang tính bộ lạc và tập thể về sự nuôi dưỡng và bản sắc. Ý tưởng rằng một đứa trẻ, để trở nên trọn vẹn, cần được uốn nắn, chăm sóc và yêu thương không chỉ bởi một người cha duy nhất, mà bởi tổng hòa các kinh nghiệm, lòng tốt và bài học từ cả một cộng đồng — một cách ẩn dụ là “ngàn người cha” — vang vọng các lý thuyết xã hội học về tình cảm trong thời kỳ hậu hiện đại, chẳng hạn như của Michel Maffesoli, người cho rằng bản sắc của chúng ta được rèn giũa trong sự va chạm và giao thoa với các “bộ lạc tình cảm” mà chúng ta lựa chọn.
Sự Chúc phúc của Tác giả và “Giọng điệu” (Sotaque) Brazil
Việc các tác phẩm chuyển thể điện ảnh gây ra xích mích giữa tác giả của văn bản gốc và các nhà làm phim là điều thường xuyên xảy ra. Nhà văn thường cảm thấy tác phẩm của mình đã bị cắt xén, đơn giản hóa hoặc bị phản bội. Tuy nhiên, trường hợp của bộ phim này là một ngoại lệ đáng mừng.
Valter Hugo Mãe không chỉ tán thành dự án mà còn trở thành nhà tiên tri nhiệt thành nhất của nó. Phản ứng của ông trước bản dựng cuối cùng rất mãnh liệt: “Nó vượt xa những gì tôi có thể tưởng tượng,” ông tuyên bố, thậm chí còn đùa vui một cách khiêm tốn rằng ông sợ bộ phim có thể là một trong những trường hợp hiếm hoi trong lịch sử khi bản chuyển thể vượt qua cả nguyên tác.
Sự cộng sinh này là vô cùng quan trọng, đặc biệt là khi xét đến sự thay đổi về địa lý. Mãe tỏ ra vô cùng thích thú khi câu chuyện của mình được kể bằng “giọng điệu” (sotaque) Brazil, thừa nhận rằng sự ấm áp và tính âm nhạc của Brazil đã mang đến một chiều kích mới cho câu chuyện của ông.
Mãe đã mô tả bộ phim là “cuốn sách trên màn ảnh”, ngụ ý rằng Daniel Rezende không cố gắng sao chép cốt truyện từng điểm một, mà là để chuyển hóa linh hồn của văn bản. Sự trung thành ở đây không phải là về câu chữ, mà là về không khí. Tác giả thậm chí còn gọi tác phẩm này là “bộ phim của thập kỷ” — một sự cường điệu, nhưng đến từ một người cẩn trọng với từ ngữ như ông, nó cho thấy một sự cộng hưởng cảm xúc sâu sắc và chân thực.
Tầm nhìn của Nhà làm phim: Daniel Rezende và Lối kể chuyện của sự Đồng cảm
Từ Dựng phim Dồn dập đến Chiêm nghiệm
Daniel Rezende là một cái tên vang dội trong lịch sử điện ảnh Brazil gần đây, nhưng quỹ đạo sự nghiệp của ông là một nghiên cứu hấp dẫn về sự tiến hóa trong phong cách. Nổi tiếng toàn thế giới với công việc dựng phim trong Thành phố của Chúa (Cidade de Deus) — một tác phẩm đã mang về cho ông một đề cử Oscar và một giải BAFTA, đồng thời định hình thẩm mỹ của dòng phim hành động Mỹ Latinh những năm 2000 với nhịp điệu dồn dập, gấp gáp — Rezende đã chứng tỏ một sự đa tài đáng kinh ngạc khi ngồi trên ghế đạo diễn.
Trong các tác phẩm trước đó của mình với tư cách là đạo diễn, chẳng hạn như Bingo: Vua của những buổi sáng (Bingo: O Rei das Manhãs) và các bản chuyển thể của Gia đình Mônica (Turma da Mônica), Rezende đã thể hiện sự quan tâm đến các nhân vật bên lề xã hội và văn hóa đại chúng của Brazil. Tuy nhiên, Con trai của ngàn người cha đánh dấu một bước ngoặt, một sự chuyển hướng sang nội tâm triệt để. Ở đây, nhịp điệu dựng phim chóng mặt của những ngày đầu nhường chỗ cho cái mà người ta gọi là một sự “tĩnh lặng” có chủ đích.
Rezende, người cũng đảm nhận vai trò biên kịch cùng với Duda Casoni, đã xây dựng một lối kể chuyện có nhịp thở. Quyết định đạo diễn câu chuyện này dường như xuất phát từ nhu cầu khám phá khái niệm “mở rộng gia đình”. Trong một thế giới phân cực, vị đạo diễn đặt cược vào một câu chuyện về sự hội tụ. Tầm nhìn của ông không phải là của một người quan sát xa cách, mà là của một người tìm cách, thông qua ống kính máy quay, tái tạo lại cái nhìn dịu dàng và quyết liệt mà Valter Hugo Mãe dành cho các nhân vật của mình. Rezende hiểu rằng để chuyển thể Mãe, người ta không cần các hiệu ứng đặc biệt, mà cần một “công nghệ” cổ xưa và phức tạp hơn: sự đồng cảm thị giác.
Chủ nghĩa Hiện thực Huyền ảo của Đời thường
Tông màu mà Rezende thổi vào bộ phim có thể được mô tả như một chủ nghĩa hiện thực huyền ảo tinh tế, neo chặt vào thực tế. Đây không phải là chủ nghĩa hiện thực huyền ảo của những tấm thảm bay, mà là nơi cường độ của cảm xúc biến đổi nhận thức về thực tại. Chỉ đạo nghệ thuật và quay phim phối hợp với nhau để tạo ra một thế giới có thể nhận ra được nhưng lại được nâng lên một chút, như thể chúng ta đang nhìn qua lăng kính của ký ức hoặc khao khát.
Đạo diễn tiết lộ rằng ông đã sáng tạo ra ngôi nhà của nhân vật chính về mặt hình ảnh dựa trên tâm lý của nhân vật: vì là một người đàn ông không có “niềm tin giới hạn” hay áo giáp xã hội, ngôi nhà của ông cũng không thể có chúng. Từ đó dẫn đến quyết định xây dựng nó không có cửa ra vào hay cửa sổ, cho phép thiên nhiên “in” dấu ấn sức mạnh của mình vào bộ phim. Bằng cách quay phim tại các địa điểm thực và cho phép các yếu tố tự nhiên — ngọn gió thật, ánh sáng thay đổi, âm thanh của biển — quyết định một phần của sự dàn cảnh, Rezende đã từ bỏ sự kiểm soát tuyệt đối của trường quay để đổi lấy sự thật hữu cơ.
Người đánh bắt Linh hồn: Rodrigo Santoro trong vai Crisóstomo
Sự Giải cấu trúc của Người hùng
Rodrigo Santoro, không thể bàn cãi, là một trong những gương mặt quốc tế nhất của Brazil. Sự nghiệp của ông dao động giữa điện ảnh nghệ thuật và các siêu phẩm Hollywood (300, Thế giới Miền Tây, Mất tích). Ngành công nghiệp điện ảnh thường sử dụng ông vì ngoại hình ấn tượng hoặc cường độ kịch tính của ông trong các vai diễn quyền lực hoặc xung đột.
Trong Con trai của ngàn người cha, Santoro thực hiện một hành trình ngược lại: hướng tới sự tổn thương tuyệt đối và sự kìm nén. Crisóstomo không phải là một anh hùng theo nghĩa cổ điển. Ông không chinh phục các đế chế hay chiến đấu chống lại quân đội. Trận chiến của ông là nội tâm và thầm lặng. Ông là một ngư dân đã bước sang tuổi bốn mươi với một lỗ hổng trong lồng ngực.
Santoro mô tả nhân vật của mình là một người đàn ông “không có rào cản”, một người không bị định hình bởi “những niềm tin giới hạn” của xã hội hiện đại, điều này cho phép ông yêu thương mà không cần bộ lọc. Mô tả này là chìa khóa để hiểu được diễn xuất. Crisóstomo sống trong một trạng thái gần như thuần khiết của Adam; sự cô đơn không làm ông cay đắng, mà đã chuẩn bị cho ông yêu thương không hề dè dặt.
Để chuẩn bị cho vai diễn này, Santoro đã phải quên đi các kỹ thuật “bán hàng” và quyến rũ thường được yêu cầu trong các vai diễn khác (chính ông đã so sánh quá trình này với sự chuẩn bị của mình cho bộ phim Dự án Năng lượng, nơi ông nghiên cứu các kỹ thuật bán hàng, và nhận thấy sự khác biệt vô cùng lớn với sự trung thực tàn bạo của Crisóstomo). Ở đây, nam diễn viên làm việc với sự tiết chế. Cử chỉ của ông tối thiểu, giọng nói của ông là tiếng thì thầm cạnh tranh với gió. Đó là một màn trình diễn dựa vào sự hiện diện hơn là sự hùng biện.
Một Hình mẫu Nam tính Mới
Thông qua Crisóstomo, bộ phim và nam diễn viên đề xuất một “hình mẫu lý tưởng mới về nam tính”. Trong một bối cảnh văn hóa mà sự nam tính thường được liên kết với sự cứng rắn, khả năng chu cấp vật chất và sự khép kín về cảm xúc, Crisóstomo đại diện cho một giải pháp thay thế mang tính cách mạng: người đàn ông biết quan tâm.
Mong muốn làm cha của ông không xuất phát từ nhu cầu duy trì một cái họ hay một dòng dõi, mà từ nhu cầu được cho đi. Mối quan hệ mà ông thiết lập với Camilo không phải là quyền lực theo chiều dọc, mà là sự đồng hành theo chiều ngang. Santoro thể hiện một tình phụ tử là nơi nương náu, không phải là mệnh lệnh.
Sự thể hiện này có sức nặng chính trị trong bối cảnh Brazil đương đại, và rộng hơn là trên toàn thế giới. Việc nhìn thấy một người đàn ông — một ngư dân, một người lao động chân tay — với sức mạnh nằm ở sự dịu dàng là một thách thức đối với các nguyên mẫu giới tính truyền thống. Santoro, ở đỉnh cao của sự trưởng thành trong nghệ thuật, đã cho mượn cơ thể và tâm hồn mình để định hình khả năng này.
Một Chòm sao của những Kẻ cô độc: Dàn diễn viên và các Nhân vật
Camilo: Phát hiện từ Araçatuba
Động lực trung tâm của bộ phim được kích hoạt với sự xuất hiện của Camilo, do diễn viên trẻ Miguel Martines thủ vai. Camilo là đứa trẻ mồ côi, mảnh ghép còn thiếu. Trong câu chuyện, cậu không chỉ đơn thuần là đối tượng của lòng từ thiện; cậu là một tác nhân thay đổi. Bằng cách chấp nhận làm con trai, Camilo đã xác nhận Crisóstomo là một người cha.
Đối với Martines, một cậu bé 12 tuổi đến từ Araçatuba, đây là bộ phim điện ảnh đầu tiên của cậu, một giấc mơ mà cậu theo đuổi từ năm tám tuổi. Việc lựa chọn cậu là một chiến thắng của khâu tuyển vai: cậu mang đến một sự chân thực không bị ảnh hưởng bởi những lối mòn của ngành công nghiệp. Dưới sự chỉ đạo của Rezende, cậu mang đến một màn trình diễn tránh xa sự ủy mị dễ dãi. Có một sự nặng trĩu trong ánh nhìn của cậu, một nhận thức về nỗi đau trong quá khứ khiến việc cậu hòa nhập vào cuộc sống của Crisóstomo trở thành một quá trình chữa lành đáng tin cậy và cảm động. Cùng nhau, họ tạo thành hạt nhân nguyên tử mà xung quanh đó các electron tự do khác của câu chuyện này sẽ xoay quanh.
Isaura: Sự im lặng biết nói
Rebeca Jamir thổi hồn cho Isaura, một nhân vật cơ bản cho cấu trúc cảm xúc của cốt truyện. Isaura là một người phụ nữ chạy trốn khỏi nỗi đau của chính mình. Nếu Crisóstomo là sự chờ đợi, thì Isaura là sự trốn chạy. Sự xuất hiện của cô trong cuộc đời của người ngư dân và cậu bé mang đến sự phức tạp của nữ tính vào một thế giới có thể đã hoàn toàn là nam tính.
Nữ diễn viên đã bình luận rằng sự chuẩn bị của cô dựa trên “làm việc với sự im lặng”, xây dựng một nhân vật giao tiếp nhiều hơn qua những gì cô giữ im lặng hơn là những gì cô nói ra. Bộ phim đối xử với Isaura bằng một “sự dịu dàng triệt để”, một đặc điểm mà Santoro gán cho cách viết của Mãe. Isaura không bị phán xét vì những vết thương hay quá khứ của mình; cô được chào đón. Jamir xây dựng một nhân vật chuyển từ sợ hãi sang tin tưởng, cho thấy một gia đình phi sinh học có thể là không gian nơi những tổn thương được chữa lành.
Antonino: Sự Hiến dâng Tuyệt đối
Johnny Massaro vào vai Antonino, có lẽ là nhân vật táo bạo và mang tính biểu tượng nhất cho đề xuất đạo đức của bộ phim. Antonino được mô tả là một chàng trai trẻ “bị hiểu lầm”, một cách nói giảm nói tránh trong tự sự mà trong tác phẩm của Mãe và trong diễn giải của Massaro, nó ám chỉ sự đa dạng, sự nhạy cảm của người queer, tất cả những gì thách thức chuẩn mực cứng nhắc của thị trấn ven biển.
Mối liên hệ của Massaro với dự án lớn đến nỗi chính anh đã tích cực xin được trở thành một phần của nó. “Tôi đã nói rằng trong bộ phim này, tôi thậm chí có thể phục vụ cà phê nếu cần, tôi chỉ muốn được ở đó,” nam diễn viên thú nhận, tiết lộ sự ngưỡng mộ sâu sắc của mình đối với tác phẩm của Mãe. Antonino tìm kiếm sự chấp nhận, nhưng không phải bằng cách đánh đổi danh tính của mình. Quá trình của anh là học cách giải phóng bản thân khỏi sự kìm nén. Sự hòa nhập của anh vào gia đình của Crisóstomo là bài kiểm tra cuối cùng cho triết lý của bộ phim: sự bao dung không phải là lòng khoan dung, đó là sự tôn vinh. Massaro mang đến một sự tổn thương rực rỡ, hoàn thiện bức tranh về gia đình của những người lạc lõng này.
Dàn hợp xướng Hy Lạp: Một Giọng nói Huyền thoại
Không có câu chuyện vĩ đại nào chỉ dựa vào các nhân vật chính của nó. Con trai của ngàn người cha sở hữu một dàn diễn viên phụ hạng sang giúp neo giữ câu chuyện ngụ ngôn này vào một thực tế hữu hình. Những tên tuổi như Grace Passô, một trong những nhà viết kịch và nữ diễn viên được kính trọng nhất của Brazil, mang lại sức nặng đáng kể.
Ngoài ra, bộ phim còn có sự tham gia đặc biệt của huyền thoại Zezé Motta, người cho mượn giọng nói không thể nhầm lẫn của mình trong vai trò người dẫn chuyện, nâng tầm câu chuyện lên thành một câu chuyện cổ tích tổ tiên. Dàn diễn viên được hoàn thiện với các tài năng như Antonio Haddad, Carlos Francisco, Inez Viana, Juliana Caldas, Lívia Silva, Marcello Escorel và Tuna Dwek, tạo ra một kết cấu xã hội dày đặc và sống động xung quanh các nhân vật chính.
Kiến trúc và Thẩm mỹ: Ngôi nhà Không cửa và Đại dương
Thiết kế Sản xuất: Phép ẩn dụ Có thể sống được
Một trong những tiết lộ hấp dẫn nhất về quá trình sáng tạo của bộ phim đến từ quan niệm không gian về ngôi nhà của Crisóstomo. Daniel Rezende, trong một khoảnh khắc thiên tài về mặt ý tưởng, đã tưởng tượng và xây dựng ngôi nhà của nhân vật chính không có cửa ra vào hay cửa sổ, phản ánh sự thiếu vắng các rào cản cảm xúc của nhân vật.
Quyết định thiết kế này, được thực hiện bởi giám đốc nghệ thuật Taísa Malouf, không phải là một ý thích thẩm mỹ; đó là trái tim triết học của bộ phim được làm bằng gỗ và đá. Ngôi nhà không cửa tượng trưng cho sự cởi mở hoàn toàn của Crisóstomo với thế giới. Không có gì để sợ hãi và không có gì để sở hữu một cách tham lam, ông không cần rào cản. Thiên nhiên — và con người — có thể tự do ra vào.
Cấu trúc kiến trúc này buộc phải có một sự dàn cảnh và quay phim cụ thể: không có “bên trong” và “bên ngoài” được phân định rõ ràng; đường chân trời luôn hiện diện, ngay cả trong sự thân mật của ngôi nhà. Một giai thoại từ quá trình sản xuất thêm một lớp thơ mộng u buồn và chủ nghĩa hiện thực huyền ảo một cách tình cờ: ngôi nhà thực sự được xây dựng trên bãi biển để quay phim và đã bị thủy triều phá hủy vào ngày sau khi kết thúc cảnh quay, để lại Rezende khóc trước biển. Sự tồn tại của nó thật phù du, chỉ phục vụ mục đích kể câu chuyện này, giống như một bức mandala bằng cát bị đại dương xóa nhòa.
Quay phim: Vẽ bằng Ánh sáng Mặn mà
Chỉ đạo hình ảnh được giao cho Azul Serra, một cộng tác viên thường xuyên trong các sản phẩm có hình ảnh chất lượng cao. Serra và Rezende đã chọn một phong cách thẩm mỹ chạy trốn khỏi sự trau chuốt giả tạo để tìm kiếm vẻ đẹp trong kết cấu thực.
Bộ phim được quay ở hai địa điểm khác biệt về mặt địa lý nhưng bổ sung cho nhau về mặt tinh thần: Búzios (cụ thể là ở các bãi biển như José Gonçalves), trên bờ biển Rio de Janeiro, và Chapada Diamantina, ở trung tâm Bahia. Búzios mang đến sự bao la theo chiều ngang của đại dương, ánh sáng gay gắt và mặn mòi, cảm giác về sự rộng mở vô tận. Chapada Diamantina mang đến sự thẳng đứng, đá, hang động, sự bí ẩn của đất liền. Sự đối ngẫu về thị giác này phản ánh hành trình nội tâm của các nhân vật: họ neo đậu trong thực tế (đất) nhưng mơ về khả năng (biển).
Kỹ thuật quay phim của Serra được mô tả là ” hùng vĩ” và “hoàn hảo”, nắm bắt được “sự tĩnh lặng” vốn là trung tâm trong không khí của bộ phim. Đó không phải là một chiếc máy quay lanh lẹ; đó là một chiếc máy quay chiêm nghiệm, chờ đợi, bắt chước sự kiên nhẫn của người ngư dân.
Bối cảnh Âm thanh: Gió trong vai trò Nhạc sĩ
Phù hợp với cách tiếp cận hình ảnh, thiết kế âm thanh của bộ phim đóng một vai trò tường thuật quan trọng. Rezende đã nhấn mạnh làm thế nào các yếu yếu tố tự nhiên không chỉ là phông nền, mà còn là tiếng nói. Âm thanh của ngọn gió đập vào ngôi nhà đang mở, tiếng gầm của biển cả đồng hành cùng tiếng hét cô đơn hay niềm vui của Crisóstomo trong đêm; tất cả những điều này tạo nên một bản nhạc hữu cơ đi trước và bổ sung cho phần nhạc nền gốc.
Nhạc phim, do Fábio Góes sáng tác, can thiệp để nhấn mạnh, chứ không phải để ra lệnh cho cảm xúc. Vai trò chính thực sự thuộc về sự im lặng và âm thanh của thế giới. Quyết định “làm sạch” âm thanh khỏi những kỹ xảo không cần thiết này cho phép người xem bước vào trạng thái thiền định về mặt cảm quan, cảm nhận nhiệt độ và kết cấu của bộ phim nhiều như cốt truyện của nó.
Hệ sinh thái Sản xuất: Canh bạc của Netflix vào Uy tín
Biônica Filmes và Barry Company: Sức mạnh đằng sau Phép thuật
Đằng sau máy quay, Con trai của ngàn người cha là kết quả của sự hợp tác giữa hai thế lực sản xuất của Brazil: Biônica Filmes và Barry Company. Biônica Filmes, được dẫn dắt bởi các nhà sản xuất như Bianca Villar, Fernando Fraiha và Karen Castanho, có một lịch sử thành công về mặt thương mại và phê bình (bao gồm cả các phần phim của Gia đình Mônica).
Về phần mình, Barry Company đã chứng minh khả năng xử lý các câu chuyện phức tạp và chất lượng cao, chẳng hạn như loạt phim Impuros (được đề cử giải Emmy) và Tình yêu đời tôi (Love of My Life) cho Disney/Star+. Sự hợp nhất của hai công ty sản xuất này dưới trướng Netflix báo hiệu một chiến lược rõ ràng: tìm kiếm nội dung vừa mang đậm chất địa phương không thể phủ nhận nhưng lại có thể xuất khẩu trên toàn cầu. Vấn đề không phải là làm một bộ phim “kiểu Hollywood” ở Brazil, mà là làm một bộ phim đậm chất Brazil với giá trị sản xuất của Hollywood. Sự hiện diện của các nhà sản xuất điều hành giàu kinh nghiệm đảm bảo rằng tầm nhìn nghệ thuật của Rezende và sự phức tạp về hậu cần của việc quay phim ở các địa điểm xa xôi đã được xử lý với sự chặt chẽ cần thiết cho một sản phẩm tầm cỡ này.
Chiến lược Phát hành: Từ Rạp chiếu đến Nền tảng Trực tuyến
Netflix đã thiết kế một chiến lược phát hành kết hợp cho bộ phim này, nhận thức được tiềm năng của nó cả ở rạp chiếu phim và trên nền tảng trực tuyến. Trước khi đến với nền tảng toàn cầu, bộ phim đã có một đợt phát hành giới hạn tại các rạp chiếu được chọn. Hơn nữa, việc bộ phim tham gia các liên hoan uy tín, như Liên hoan Phim Quốc tế São Paulo (Mostra) lần thứ 49, nhấn mạnh vị thế “phim nghệ thuật” của nó.
Cuộc sống kép này (màn ảnh rộng và màn ảnh nhỏ) là rất quan trọng đối” một bộ phim được hưởng lợi rất nhiều từ trải nghiệm đắm chìm trong rạp chiếu phim (nhờ quay phim và âm thanh), nhưng chủ đề thân mật và nhân văn của nó lại có tiềm năng tạo tiếng vang lớn trong các gia đình. Buổi ra mắt tại Mostra São Paulo cũng đóng vai trò là một nền tảng để đo lường phản ứng của giới phê bình và công chúng, tạo ra sự truyền miệng giúp định vị bộ phim như một sự kiện văn hóa, chứ không chỉ là “nội dung”.
Ngoài ra, chiến dịch quảng bá đã rất thông minh khi liên kết bộ phim với các sự kiện văn học nổi tiếng. Sự hiện diện của nhóm (Mãe, Rezende, Santoro, Massaro, Jamir) tại FLIP (Lễ hội Văn học Quốc tế Paraty) vào năm 2025, tại nhà “Esquina piauí + Netflix”, đã tạo ra một cầu nối trực tiếp giữa những độc giả trung thành của cuốn sách và khán giả điện ảnh mới. Tại sự kiện này, quá trình chuyển thể đã được thảo luận, xác nhận giá trị của bộ phim trước giới trí thức văn hóa Brazil.
Các chủ đề sâu sắc: Một luận thuyết về Thân phận Con người
Sự cô đơn như một Không gian Màu mỡ
Khác xa với việc miêu tả sự cô đơn như một căn bệnh cần chữa trị, Con trai của ngàn người cha trình bày nó như một trạng thái của sự sẵn có. Crisóstomo, Isaura và Antonino đều cô đơn, đúng vậy, nhưng sự cô đơn của họ rất rộng rãi. Chính khoảng trống đó cho phép người khác bước vào. Bộ phim gợi ý rằng chỉ những ai đã biết đến sự cô đơn của chính mình mới có khả năng thực sự đồng hành cùng người khác. Họ không đến với nhau vì tuyệt vọng, mà vì sự thừa nhận lẫn nhau. Đó là một sự cô đơn được chia sẻ và biến thành sự gắn kết.
Gia đình như một Kiến tạo Chính trị và Tình cảm
Trong thời đại mà khái niệm gia đình thường là một chiến trường ý thức hệ, bộ phim đưa ra một tầm nhìn ôn hòa nhưng triệt để. Gia đình ở đây không phải là một dữ kiện sinh học, nó là một sự xây dựng hàng ngày. Câu nói “Tất cả chúng ta đều là con của ngàn người cha” phá vỡ ý niệm về quyền sở hữu đối với con cái và tình cảm. Nó đề xuất một trách nhiệm tập thể.
Tầm nhìn này cộng hưởng với các cuộc tranh luận đương đại về các cấu trúc gia đình mới. Bằng cách hiển thị một gia đình bao gồm một người cha đơn thân, một người con nuôi, một người phụ nữ có quá khứ và một chàng trai trẻ queer, bộ phim bình thường hóa sự đa dạng mà không biến nó thành một khẩu hiệu tuyên truyền. Nó chỉ đơn giản cho thấy rằng tình yêu luôn hiệu quả, bất kể cấu trúc nào chứa đựng nó. Đó là một chính trị của tình cảm: cuộc cách mạng bắt đầu từ bàn bếp, chia sẻ bánh mì với những người xa lạ trở thành anh em.
Niềm tin vào Nhân loại
Có lẽ thông điệp có tính lật đổ nhất của bộ phim chính là sự lạc quan về mặt nhân chủng học. Trong một nền điện ảnh thường bị cuốn hút bởi sự tàn nhẫn và hoài nghi, tác phẩm này dám trở nên dịu dàng. Valter Hugo Mãe và Daniel Rezende cùng chia sẻ một niềm tin vào con người. Họ tin rằng, bất chấp tất cả, chúng ta có khả năng làm điều tốt đẹp. Bộ phim là một liều thuốc giải cho sự tuyệt vọng, một lời nhắc nhở rằng “sự giáo dục của nỗi buồn” (tựa đề một cuốn sách khác của Mãe được ra mắt trùng hợp tại FLIP) có thể dẫn đến sự khôn ngoan và tình yêu.
Bối cảnh Song song: Vũ trụ của Valter Hugo Mãe đang Mở rộng
Không thể tách rời việc ra mắt bộ phim khỏi thời điểm văn hóa mà tác giả của nó đang trải qua. Cùng với việc ra mắt bộ phim, bộ phim tài liệu De Lugar Nenhum, do Miguel Gonçalves Mendes đạo diễn, khám phá cuộc đời và quá trình sáng tạo của Valter Hugo Mãe, cũng đã được trình làng.
Bộ phim tài liệu này, được quay trong bảy năm ở nhiều quốc gia, cung cấp một sự đối lập hoàn hảo với hư cấu của Con trai của ngàn người cha. Trong khi bộ phim cho chúng ta thấy sự sáng tạo của Mãe, thì bộ phim tài liệu cho chúng ta thấy người sáng tạo. Cả hai sản phẩm văn hóa này đối thoại với nhau, củng cố vị thế của nhà văn như một trong những nhân vật trí thức có ảnh hưởng nhất trong cộng đồng các nước nói tiếng Bồ Đào Nha. Đối với khán giả tò mò, việc thưởng thức cả hai tác phẩm mang đến một cái nhìn lập thể về những ám ảnh của tác giả: ký ức, bản sắc, và cuộc tìm kiếm không ngừng nghỉ vẻ đẹp trong một thế giới không hoàn hảo.
Một Ngọn hải đăng trong Sương mù
Con trai của ngàn người cha đến với chúng ta như một món quà bất ngờ. Đây không phải là một bộ phim gào thét để gây chú ý; đó là một bộ phim thì thầm, và chính vì lý do đó, nó buộc bạn phải nghiêng mình để lắng nghe.
Đó là một thắng lợi của sự hợp tác nghệ thuật: văn xuôi không thể bắt chước của Mãe, tầm nhìn đồng cảm của Rezende, sự tổn thương dũng cảm của Santoro và tài năng đồng đều của một dàn diễn viên tận tụy. Đó là một tác phẩm mời gọi chúng ta phá bỏ những cánh cửa của chính ngôi nhà nội tâm của mình, nhìn về phía chân trời và xem xét khả năng gia đình của chúng ta lớn hơn nhiều so… so với những gì chúng ta nghĩ. Nó thách thức chúng ta, cũng như vậy, trở thành một trong “ngàn người cha” (và mẹ) cần thiết để nuôi dưỡng, chăm sóc và duy trì sự sống.
Trong một bối cảnh nghe nhìn bão hòa với những viễn cảnh đen tối và những kết thúc tận thế, bộ phim này nổi lên như một không tưởng khả thi và gần gũi. Nó nhắc nhở chúng ta rằng thiên đường không phải là nơi để đến sau khi chết, mà là một nơi được xây dựng khi đang sống, bằng cách chấp nhận những kẻ sống sót sau đắm tàu mà thủy triều đưa đến bờ của chúng ta.
Đối với những người sẵn sàng dấn thân vào cuộc hành trình của sự nhạy cảm và tĩnh lặng này, đây là một cuộc hẹn không thể bỏ qua. Sau khi qua các liên hoan phim và các rạp chiếu chọn lọc, bộ phim sẽ có mặt trên toàn cầu để biến màn hình của chúng ta thành cửa sổ nhìn ra biển vào ngày 19 tháng 11. Ngày hôm đó, Netflix sẽ không còn chỉ là một nền tảng phát trực tuyến mà sẽ trở thành, ít nhất là trong hai giờ, ngôi nhà không cửa của Crisóstomo.
Và tất cả chúng ta đều được mời bước vào.
