Bảo tàng Nghệ thuật Đương đại Tokyo (MOT) sẽ tổ chức một trưng bày quy mô lớn về Sol LeWitt, nhấn mạnh cách các hệ thống, chỉ dẫn và tư duy mô-đun của ông đã chuyển trọng tâm nghệ thuật hậu chiến từ vật thể sang ý niệm. Dựa trên khái niệm “open structure”, chương trình quy tụ các bản vẽ tường (wall drawings), cấu trúc ba chiều, tác phẩm trên giấy và sách nghệ sĩ; theo công bố của bảo tàng, đây là tổng quan có tính học thuật đầu tiên về LeWitt tại một bảo tàng công lập ở Nhật Bản. Do Ai Kusumoto (MOT) phụ trách và thực hiện với sự hợp tác của Estate of Sol LeWitt, trưng bày đặt công tác lập kế hoạch, các bộ quy tắc và quy trình tuần tự làm động lực của tác phẩm. Trong diễn giải của bảo tàng, đóng góp của LeWitt ít mang tính “phong cách” hơn là một “giao thức”: tác phẩm khởi sinh từ một ý tưởng, một bản kế hoạch hay một tiến trình, còn việc hiện thực hóa là thi hành khuôn khổ đó. Góc nhìn này cho thấy rõ cách tiếp cận của ông đã định nghĩa lại tư cách tác giả và đời sống tác phẩm trong môi trường thiết chế.
Trưng bày nhấn mạnh luận điểm của LeWitt về thực hành nghệ thuật ý niệm, trong đó khâu hoạch định đi trước và chi phối khâu thi công. Tự sự giám tuyển làm rõ việc ưu tiên “bản kế hoạch” hơn “sản phẩm” đã định hình công tác tuyển chọn, bao gồm các tác phẩm mô-đun kết hợp đơn vị hình lập phương để cho thấy tiến trình tuần tự quyết định hình thức như thế nào, điển hình là cấu trúc One, Two, Three, Four, Five as a Square. Nhìn tổng thể, các tác phẩm cho thấy xưởng của LeWitt như một nơi thiết kế quy trình để người khác có thể thi hành mà không làm tổn hại đến chủ đích nghệ thuật. Bảo tàng xem khuôn khổ này là chìa khóa lý giải ảnh hưởng rộng hơn của nghệ sĩ đối với sản xuất, lưu thông và tái lắp dựng tác phẩm.
Trọng tâm của trưng bày là các bản vẽ tường—một dự án xuyên suốt đời nghệ sĩ—được các ê-kíp cài đặt được đào tạo thực hiện theo chỉ dẫn hoặc sơ đồ do LeWitt viết. Sau khi trưng bày, tường thường được sơn lại—một lựa chọn vận hành nhấn mạnh tính tối thượng của quy trình và khả năng “di động” của ý tưởng. MOT giới thiệu sáu ví dụ nhằm minh họa cách một bộ quy tắc được chuyển dịch thành đường nét, cung tròn và mảng màu trong những điều kiện cụ thể của từng không gian. Ở định dạng này, tư cách tác giả được chủ ý phân bổ giữa ý niệm khởi sinh và những bàn tay hiện thực hóa; còn tính bền vững được hiểu lại như khả năng tái lập, hơn là độ bền vật chất. Các bản vẽ tường cho thấy một hệ thống đang vận hành, biến không gian trưng bày thành nơi những chỉ dẫn hóa thân hữu hình.
Các bài viết khác
© 2025 The LeWitt Estate / Artists Rights Society (ARS), New York. Courtesy Paula Cooper Gallery.
Dù nhiều khán giả gắn LeWitt với các sơ đồ đen-trắng khắc khổ và cấu trúc “khung xương”, trưng bày cũng ghi nhận những giai đoạn ông sử dụng hình thức phức tạp hơn và gam màu bão hòa. Bảo tàng xem những phát triển này là sự mở rộng phương pháp chứ không phải đoạn tuyệt: các hệ thống giản dị và chỉ dẫn rõ ràng vẫn được duy trì, đồng thời biên độ biểu đạt của thực hành dựa trên quy tắc được nới rộng. Kết quả là một di sản tác phẩm vẫn bám chặt vào lô-gic quy trình, ngay cả khi thử nghiệm các mô thức thị giác khác nhau—từ tiến trình đường nét tiết chế đến những trường màu mạnh. Xuyên suốt những chuyển dịch đó, cam kết với chỉ dẫn, tính tuần tự và tư duy mô-đun luôn nhất quán.
Khái niệm “open structure” hiện rõ nhất ở các tác phẩm hình lập phương, nơi bề mặt được loại bỏ để phô lộ các cạnh khung chịu lực. Bằng cách phơi mở “giàn giáo”, các tác phẩm khiến cấu trúc của chính mình trở nên khả độc: đâu là đơn vị, một chuỗi tiến triển ra sao và hệ thống cho phép biến thiên ở điểm nào. Trong loạt tác phẩm thường được gọi là Incomplete Open Cube, sự thiếu vắng một số cạnh gợi nên một hình thể đang chuyển hóa—ít là một vật thể khép kín, nhiều là một đề xuất về cách thức sản sinh, tái cấu hình và đọc hiểu hình khối. Bảo tàng diễn giải đây là hành vi tháo dỡ lý tưởng về sự hoàn mỹ và bất biến, phù hợp với quan tâm của LeWitt tới các quy tắc khuyến khích biến đổi thay vì cố định trạng thái. Những điêu khắc này vận hành như các giản đồ trong không gian, mời người xem tái dựng các quy tắc đã sinh ra chúng.
Ngay cả khi chỉ dẫn hết sức chính xác, mỗi bản vẽ tường vẫn ghi nhận những yếu tố ngẫu duyên của địa điểm và cách diễn giải của người thi công. Không gian, bề mặt, tỉ lệ và “nét tay” đều tác động đến kết quả; sự biến thiên này được coi là thành tố hữu cơ của tác phẩm, không phải khiếm khuyết. Bảo tàng liên hệ trực tiếp lập trường đó với quan niệm của LeWitt về tính chia sẻ của ý tưởng—nghệ thuật như tập hợp những đề xuất mà người khác có thể tiếp tục dưới các điều kiện xác định. Luận điểm ấy không dừng ở ngôn từ; nó được khắc vào đời sống quy trình của tác phẩm—có thể tái lắp dựng, thích ứng với ngữ cảnh mới và được làm mới qua mỗi lần hiện thực hóa. Tính biến thiên không phải sự nhượng bộ, mà là đặc điểm cốt hữu của một nghệ thuật đặt vòng lưu thông của ý tưởng lên trên sự cố định của vật thể độc nhất.
Trưng bày cũng đề cao hoạt động xuất bản của LeWitt và vai trò của ông trong việc kiến tạo các kênh lưu thông cho nghệ thuật dựa trên ý niệm ngoài những thị trường truyền thống. Để các khái niệm lưu chuyển tự do hơn, ông thực hiện nhiều sách nghệ sĩ và đồng sáng lập Printed Matter tại New York cùng một số cộng sự như nhà phê bình Lucy R. Lippard—một tổ chức chuyên phân phối ấn phẩm nghệ sĩ ngoài các kênh thông thường. Cách trình bày đặt hoạt động xuất bản này song hành với triết lý chi phối bản vẽ tường: cam kết với các quy trình có thể chuyển giao, dễ hiểu và thi hành bởi nhiều chủ thể. Sách và chỉ dẫn ở đây là hai phương tiện song hành—cả hai cùng xem khả năng tái tạo và phổ biến là thành phần cốt lõi của ý nghĩa tác phẩm.
Trong bối cảnh rộng hơn của nghệ thuật đương đại, bảo tàng đặt LeWitt vào trung tâm chuyển dịch coi tác phẩm như không gian của tư duy hơn là vật thể độc bản để chiêm niệm. Văn bản và thực hành của ông là điểm quy chiếu cho nghệ thuật dựa trên chỉ dẫn và “ưu tiên ý niệm”, nơi quy tắc, thuật toán và hệ mô-đun trở thành công cụ sinh thành chứ không phải giới hạn. Bằng việc tái cấu trúc những hình thức quen thuộc—lưới, lập phương, chuỗi—LeWitt mở ra một khoảng sáng tạo trong lòng trật tự, gợi ý rằng cấu trúc có thể mở ra khả thể thay vì khép lại chúng. Trưng bày khẳng định di sản ấy vẫn còn hiệu lực, tiếp sức cho các cuộc tranh luận về quy trình, tính tái tạo và trách nhiệm thiết chế.
Về thông tin tham quan, triển lãm diễn ra tại Phòng trưng bày Tầng 1 (Exhibition Gallery 1F) của Bảo tàng Nghệ thuật Đương đại Tokyo. Giờ mở cửa 10:00–18:00 (bán vé đến trước giờ đóng cửa 30 phút); các phòng trưng bày đóng cửa vào thứ Hai và một số ngày bổ sung do bảo tàng thông báo. Giá vé: người lớn 1.600 yên; sinh viên đại học và khách từ 65 tuổi: 1.100 yên; học sinh trung học phổ thông và trung học cơ sở: 640 yên; miễn phí cho học sinh tiểu học và trẻ nhỏ hơn. Liên hệ: +81-3-5245-4111 (tổng đài). Thông tin cập nhật và hướng dẫn tiếp cận đăng trên trang web của bảo tàng. Chương trình do Bảo tàng Nghệ thuật Đương đại Tokyo—đơn vị thuộc Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture—tổ chức, với sự hợp tác của Estate of Sol LeWitt; giám tuyển: Ai Kusumoto.
Giai đoạn trưng bày: 25 tháng 12, 2025 — 2 tháng 4, 2026.
